Todos los días, los ingenieros de audio de todo el mundo descubren nuevas formas de mezclar sus pistas. Al igual que la música y la producción, la mezcla tiene algunas reglas fundamentales, así como algunas que están hechas para doblarse.

Compilé una lista de 10 consejos de mezcla muy útiles que tomé de otros ingenieros profesionales mientras estudiaba o trabajaba. Aplico la mayoría de estos consejos a la mayoría de mis mezclas, dependiendo de la sensación y las circunstancias.

Nuevamente, estas no son reglas definitivas, sino un conjunto de prácticas técnicas que puede modificar a su gusto. La experimentación siempre es la clave para hacer grandes descubrimientos, y estoy seguro de que así fue como se crearon todos estos consejos. 

 

Sugerencia n.º 1: use procesamiento medio/lateral para una imagen estéreo limpia y compatibilidad mono

El procesamiento Mid/Side es una técnica muy infrautilizada en la mezcla. Es especialmente útil cuando desea limpiar una imagen estéreo sin reducir toda la información de audio disponible. 

La idea detrás del procesamiento Mid/Side es bastante simple. Puede aplicar un procesamiento separado a las señales central y lateral de una pista estéreo. 

Una gran cantidad de complementos y efectos de audio estándar vienen con extensiones Mid/Side o Left/Right.

El ecualizador de ocho bandas de Ableton es una de las herramientas más sencillas de usar mientras se aprende esta técnica. He presentado una práctica técnica de medios/laterales para superponer voces a continuación:

• Grabe su voz principal y colóquela en el centro de su imagen estéreo
• Grabe dobles de la misma línea vocal y colóquelos a izquierda y derecha respectivamente. 
• Usando su ecualizador de ocho bandas, active su opción Mid/Side en el lado izquierdo de la ventana
• Con la configuración lateral activada, elimine algunas de las frecuencias medias-bajas de los dobles para que estas voces tengan menos peso. También puede eliminar algunos de los extremos superiores de estas voces con el ajuste medio activado.
• Coloque todas sus voces en un bus grupal: los dobles deben sentirse como un aire ligero que realza la voz principal en el centro. 

Una vez más, puede aplicar este tipo de procesamiento en una amplia selección de herramientas, desde compresores multibanda hasta reverberaciones. 

Sugerencia n.° 2: Superponga su bajo con capas especiales para obtener más potencia

La superposición de su bajo puede parecer una técnica contraria a la intuición. La mayoría de los ingenieros intentan eliminar la mayor cantidad posible de graves en su mezcla para obtener una mezcla más limpia.

Sin embargo, a veces su bajo puede carecer de fuerza o color, y puede remediarlo con algunas técnicas simples de estratificación:

1. Cree una pista de envío auxiliar bajo su toma de bajo original. Configure su toma de bajo original como entrada para este canal.
   
   Luego agregue algo de overdrive o saturación a este canal y use EQ reductivo para eliminar cualquier parte de este canal que enturbie la mezcla. También puede agrupar estos dos canales y usar un compresor de pegamento para agregar cohesión. 
   
   
2. También puede duplicar el audio de una toma de bajo en vivo con un instrumento midi como un sintetizador de bajo. Me gusta duplicar mis tomas de bajo en vivo con una onda sinusoidal para obtener más redondez, o un sintetizador tipo sierra para un toque extra. 
   
   
3. Asegúrese de que su capa de bajos principal esté en el centro de su imagen estéreo. Puede agregar algo de ancho a la segunda capa moviendo la señal de manera uniforme en los lados izquierdo y derecho. Trate de no hacer una panorámica demasiado amplia, ya que esto enturbiará gran parte de la mezcla. 

Consejo n.º 3: mezcle en mono para obtener una compatibilidad mono increíble

Nuestros oídos a menudo pueden engañarnos cuando escuchamos una imagen estéreo. Esto puede llevarnos a cometer algunos errores mientras mezclamos simplemente por estar abrumados por demasiada información en nuestros altavoces izquierdo y derecho. Puedes remediarlo cambiando tus mezclas a mono. 

Las mezclas mono generalmente revelan los choques más prominentes en nuestras mezclas al colocar toda nuestra imagen estéreo en el centro de la mezcla de altavoces. Estos choques pueden variar desde problemas de ecualización y compresión hasta problemas de panoramización y volumen que requieren algunos ajustes. 

Hay varias formas de cambiar tus mezclas a mono, dependiendo de tu DAW y la configuración de tu estudio. Mantengo un dispositivo de utilidad en modo de espera en mi canal maestro en Ableton, ya que tiene un modo mono. De esta manera, puedo cambiar rápidamente entre estéreo y mono como referencia mientras mezclo. 

Consejo #4: Haz uso de Midi Velocity

Aunque esto es técnicamente un "consejo de producción", usar la velocidad puede ser una herramienta súper poderosa al mezclar.

Velocity puede ser increíblemente útil para crear el tipo de dinámica orgánica de la que a veces carecen los compresores.

Puede usar efectos midi para alternar la velocidad de sus instrumentos midi para darles una sensación más humana. Esta técnica es útil cuando ha dibujado acordes o progresiones en un rollo de piano midi, ya que rara vez se sienten naturales en la primera ejecución. 

Mi instrumento favorito para usar los efectos midi de velocidad son los hi-hats. Los charles siempre se sienten robóticos cuando se dibujan en el rollo de piano o se convierten desde un archivo de audio.

Sin embargo, puede utilizar efectos de velocidad con preajustes dinámicos y de compresión para añadir un toque humano a su patrón de charles. 

Consejo n.º 5: asegúrese de dejar suficiente espacio libre en su pista maestra

Nada le da vida a una mezcla que tener un amplio espacio para la cabeza. La idea de tener una mezcla fuerte e impactante a menudo puede llevarnos a llevar todos nuestros elementos al máximo. Este hábito puede hacer que sus mezclas sean demasiado abrasivas y, a menudo, provocará recortes, lo que es increíblemente contraproducente. 

Headroom se refiere a la cantidad de espacio entre las partes más ruidosas de su mezcla y 0 dB (el punto de recorte).

El volumen de una mezcla se puede mejorar considerablemente a través de la masterización, por lo que debe probar y asegurarse de que su mezcla no sea demasiado alta antes de esta etapa. 

Los ingenieros de mezclas suelen mantener unos 6dB de headroom en una pista antes de que se masterice. Esta cantidad da a los ingenieros de masterización suficiente espacio para crear suficiente dinámica con el volumen de una pista.

Si logra mantener sus mezclas alrededor de este nivel, debería tener una pista relativamente limpia y consistente una vez que se complete el proceso de masterización. 

Consejo n.º 6: encadene su reverberación/envío de retardo

Agregar una cadena lateral a nuestra reverberación o retardo puede crear una estética sorprendente para su mezcla. Me gusta usar esta técnica en mis pistas de retorno para ayudar a mantener una imagen estéreo más limpia. Voy a usar la voz principal para mi ejemplo a continuación, ya que aquí es donde tiendo a usar esta técnica con más frecuencia:

• Cree una pista de grupo o bus para su voz principal. También puede incluir cualquier doble que tenga de la voz en este bus. 
  
  
• Cree un canal de envío para su bus vocal y etiquételo como "Vox Bus Verb" o algo similar para una fácil referencia.
  
  
• Coloque una reverberación en este canal de envío y luego coloque un compresor después de la reverberación en el mismo canal. Su compresor deberá tener una opción de cadena lateral. 
  
  
• Active la cadena lateral y luego seleccione el canal de entrada que activará la cadena lateral. Me gusta usar mi canal maestro o incluso la misma voz principal que estoy tratando como disparador de cadena lateral.
  
  
• Modifique los parámetros de compresión según sus preferencias. La idea es hacer que la reverberación se agache cada vez que se introduce la señal de entrada, para darle a su reverberación una sensación de movimiento adicional. 

Consejo #7: Usar un limitador en el maestro

Una gran mayoría de productores e ingenieros buscan instintivamente el limitador cuando tratan su canal maestro.

El uso de un limitador en su maestro puede salvarlo de cualquier problema de recorte y también brindarle un rango dinámico adicional en su volumen general. A continuación se muestra una guía básica para usar un limitador en su maestro:

• Asegúrese de usar un limitador en su maestro solo una vez que haya tratado todos sus otros elementos de mezcla de forma independiente. Introducir esta herramienta demasiado pronto en el proceso de mezcla puede causar serias interrupciones en su flujo de trabajo. 
  
  
•  Coloque el limitador al final de cualquier cadena de dispositivos que tenga en el canal maestro. 
  
  
• Establezca el nivel de salida entre 0,1 y 0,5 dB
  
  
• Aumente el nivel de entrada hasta que obtenga alrededor de 8-10 dB de retorno de ganancia.
  
  
• Ajusta tus parámetros de ataque y liberación hasta que sientas que la pista se vuelve más potente y nivelada. Puede empujar cualquier parámetro hacia arriba hasta que la mezcla comience a distorsionarse y luego retroceder hasta alcanzar su nivel preferido. 
  
  
• Una vez que haya alcanzado su volumen óptimo, baje el volumen de entrada para obtener una reducción de ganancia adicional.  

Consejo #8: Pistas de referencia

Los artistas deben compilar un conjunto de pistas de referencia para usar durante el proceso de mezcla. Las pistas de referencia consisten en canciones con elementos de mezcla que le gustaría aplicar a la pista en la que está trabajando.

Las pistas de referencia funcionan de manera similar a como funcionan los tableros de humor en la publicidad o las películas. Te ayudan a construir una idea de las imágenes sonoras que estás tratando de crear con tu composición. 

La forma más fácil de encontrar pistas de referencia para sus arreglos es buscar en la música que está escuchando. Puedes optar por ceñirte a canciones dentro de tu género o experimentar con estilos más alejados de lo que estás haciendo.

Me gusta usar mis servicios de transmisión para compilar listas de reproducción de cosas como mis mezclas de batería favoritas, tonos de guitarra o cadenas vocales. Cada vez que me quedo atascado en busca de ideas durante las mezclas, vuelvo a consultar estas listas de reproducción en busca de inspiración o dirección cuando me quedo atascado mientras mezclo. 

Consejo #9: Mezclar elementos focales

Puedes lograr una mezcla limpia y aun así terminar con una canción que suene aburrida o sin vida. Esta circunstancia suele deberse a un enfoque demasiado clínico y a la falta de sentimiento de la canción.

Puedes evitar esto priorizando los elementos focales en tus canciones con tu mezcla.

Trate de encontrar formas de centrar la dinámica de sus arreglos en torno a los elementos compositivos más memorables y pegadizos. Estos elementos generalmente serían su voz principal o las melodías más fácilmente cantables de un arreglo instrumental.

Como regla general, me gusta hacer cualquier limpieza o tratamiento reductor para estas partes antes de agregar cualquier efecto que las realce. 

Existen técnicas sutiles que puede implementar para que sus elementos focales se destaquen. La saturación puede aumentar la información armónica de un sintetizador o una línea de guitarra y también funciona bien en las voces.

Duplicar tus melodías con diferentes instrumentos también puede aumentar su impacto. Todavía querrás que todos los demás elementos de la mezcla tengan peso y claridad, pero una buena mezcla debe tener una combinación elegante de partes suaves y fuertes.  

Consejo #10: Automatización de filtros en efectos

A veces, una reverberación o un retardo pueden sonar como si estuvieran en un espacio diferente en comparación con otros elementos de la mezcla. El uso de la automatización para la reverberación y las colas de retardo puede darles una sensación mucho más espaciosa y orgánica en lugar de simplemente dejar que decaigan de forma natural. 

Intente colocar un filtro en su reverberación o envíos de retardo y automatice el filtro para activarlo justo al final de sus colas de reverberación.

Por lo general, prefiero barrer mis reverberaciones y retrasos con un filtro de paso bajo: puede usar los filtros estándar en su DAW o encontrar algunos complementos más mejorados como FabFilter Volcano o FilterFreak de Soundtoys. 

Trato de mantener la pendiente de mi filtro lo más suave y consistente posible y también lo desactivo una vez que el filtro alcanza alrededor de 100 Hz, ya que esto podría crear un subruido innecesario. Del mismo modo, desactivo mi filtro de paso alto a alrededor de 7 kHz para que mi filtro no se entrometa en elementos más delgados como platillos vibradores. 

PENSAMIENTOS FINALES

La mezcla perfecta es un mito. Cualquier gran ingeniero le dirá que mezclar es un oficio flexible sin aciertos o errores definitivos. Sin embargo, hay algunos pros y contras como los enumerados anteriormente que pueden ayudar a aumentar la productividad y el flujo de trabajo de sus sesiones de mezcla. 

Más que nada, es crucial intentar y practicar constantemente la mezcla para que desarrolle confianza en sus conocimientos y habilidades.

Hay muchos más consejos como los enumerados anteriormente que mejorarán su juego de mezclas, pero nada lo entrenará mejor que la aplicación práctica. Gracias por leer nuestros 10 consejos de mezcla profesionales.